ENSAYO
Producción dramática de Lorca.
Federico García Lorca nació en Fuente Vaqueros (Granada) el día 5 de junio de 1898 y murió fusilado en 1936.
La obra dramática de Lorca es muy extensa (tocó el drama, la tragedia, la comedia, el teatro surrealista, el vanguardista,…). En sus últimos años su actividad dramática fue muy intensa ya que consideraba el teatro como el arte más adecuado para comunicarse con la sociedad, tal y como expresaba en estas palabras:
"El teatro fue siempre mi vocación. He dado al teatro muchas horas de mi vida. Tengo un concepto del teatro en cierta forma personal y resistente. El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse, habla y grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en la escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre."
F. García Lorca (O. C. , 1810).
Que fue un apasionado amante del teatro también lo apreciamos por haber impulsado, promovido y dirigido el grupo de teatro "La Barraca", que puso el teatro del Siglo de Oro en contacto con la sociedad, durante la Segunda República Española (1931-1936).
Obras dramáticas más importantes:
Bodas de Sangre es una de las obras mas importantes de la producción dramática de Federico García Lorca empieza, pues hasta entonces sus obras dentro del ámbito teatral no habían creado tanta expectación. Empezó con obras dedicadas a un público infantil, como es el caso de la obra El maleficio de la mariposa.
Las farsas para guiñol, escritas entre 1921 y 1928, sólo fueron reconocidas como juegos graciosos aun siendo de gran calidad. Destacan La zapatera prodigiosa (1930), en la que el ambiente andaluz sirve de soporte al conflicto, cervantino, entre imaginación y realidad, y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín (1930), complejo ritual de iniciación al amor.
Los ensayos de teatro surrealistas que anuncia los «dramas irrepresentables» de 1930 y 1931: El público y Así que pasen cinco años.
Gracias al éxito de los dramas rurales poéticos, Lorca elabora las tragedias ambientadas en su Andalucía natal: Bodas de sangre y Yerma (1934), conjugación de mito, poesía y sustancia real.
Bodas de sangre es una tragedia en verso escrita en 1931. Se estrenó el 8 de marzo de 1933 en el Teatro Beatriz de Madrid . Esta una producción poética y teatral que se centra en el análisis de un sentimiento trágico. La obra se inspira en una tragedia y se encuentra enmarcada en un paisaje andaluz.
Los problemas humanos determinan los dramas, de los que tienen mayor importancia: Doña Rosita la soltera (1935) en el que se aprecia el tema de la «solterona» española; o La casa de Bernarda Alba (1936), que tiene como teman principal la represión de la mujer y la intolerancia. Para muchos la obra maestra del autor es esta última.
2. Teatro español a principios del siglo XX.
A principios del siglo XX seguían estando vigentes las tendencias teatrales de finales del XIX.
Aunque existían autores que intentaban innovar, que querían acabar con el exclusivismo burgués en el mundo literario, los que tenían apoyo popular eran el teatro neorromántico de Echegaray y el teatro realista de Galdós . Los autores de este tipo de teatro no escribían acerca de grandes conflictos morales en sus obras. Otro auntor teatral muy importante en esta época es Jacinto Benavente, que es el padre de la comedia de salón.
Uno de los antecedentes es el teatro poético modernista (recoge los temas del teatro del Siglo de Oro y en cuanto a la forma predomina el tono romántico, con autores como Francisco Villaespesa y Eduardo Marquina)
El teatro comercial o cómico contaba con la burguesía como público fiel y su finalidad era distraer. En ellos había numerosos personajes arquetipos (el estudiante, la prostituta,…) que se dedican a hacer reír al público, que busca la identificación de la lengua. Un subgénero de este teatro es el sainete, creado por Carlos Arniches.
Durante este período también tenían mucho éxito las zarzuelas (obras que realizaban mezclas entre canto, teatro, lírico, etc.).
Pero surgió un tipo de teatro renovador y minoritario rechazando la tendencia del Realismo y del teatro burgués. Se introducen nuevos elementos, como la división de las obras en cuadros (por Lorca). Este teatro indaga en el ser humano debido a la crisis del existencialismo.
El paso de una tendencia teatral a otra innovadora en España costó más que en el resto de Europa. Autores como Azorín, Unamuno o Valle-Inclán se esforzaron por cambiar el panorama teatral a través de argumentos simbólicos o conceptuales, cargados de elementos metafóricos.
Dentro de este contexto Federico García Lorca consigue ir haciéndose hueco entre el público español.
Lorca había leído a autores como Pirandello (padre del simbolismo teatral), Bernard Shaw (teatro inconformista), Bertolt Brecht (con una nueva escenificación) y Samuel Beckett (famoso por su teatro del absurdo), y se había dejado influenciar por ellos.
Este escritor pretendía, junto con los miembros pertenecientes a su generación, la Generación del 27 (Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Luis Cernuda,…) eliminar los elementos modernistas e incorporar el Vanguardismo, al igual que querían un teatro que se acercara al público.
Características del teatro de Lorca:
- Es un teatro innovador pues por primera vez se realiza una mezcla entre poesía y teatro. Gracias a la poesía el teatro evoluciona desde la realidad hasta lo simbólico, hasta lo connotativo. Es en la poesía dónde se encuentra la esencia de la trama.
- El teatro no es realista, se aleja de la estética burguesa. Lorca, sin embargo, utiliza algunos elementos realistas (el leñador, la boda, el asesinato,…), aunque siempre para superarlos. Hace una selección de los elementos realistas para ir más allá. Al no utilizar nombres lo que pretende es un apartamento de la realidad.
- Es capaz de expresar dramas íntimos. Para expresarlos utiliza soliloquios, monólogos, canciones, etc.
- Lorca utiliza el teatro como medio para llegar al público, para él es un medio para expresar emoción.
- Lorca decía que el teatro estaba perdido porque se estaba alejando de la tragedia, del teatro clásico griego. Para él la tragedia era uno de los elementos más importantes, algo que se muestra en sus propias palabras: “Hay que volver a la tragedia. Nos obliga a ello la tradición de nuestro teatro dramático. Tiempo habrá de hacer comedias, farsas. Mientras tanto, yo quiero dar a nuestro teatro tragedias”.
- Su teatro no es un teatro social, va más allá de la lucha política. Lorca prefiere colocarse al lado de la persona que sufre. Pretende luchar contra la moral social que reprime y condena la libertad individual, y sobre todo sexual de las personas: En este mundo yo siempre soy y seré partidario de los pobres. Yo siempre seré partidario de los que no tienen nada y hasta la tranquilidad de la nada se les niega. Nosotros —me refiero a los hombres de significación intelectual y educados en el ambiente medio de las clases que podemos llamar acomodadas— estamos llamados al sacrificio. Aceptémoslo. (O. C. II, 1036)
- Entre sus temas dominantes se encuentra el enfrentamiento entre el individuo (que se mueve por el deseo, el amor, la libertad...) y la autoridad dominante, que impone el orden, la sumisión, la tradición, las convenciones sociales, las normas colectivas.
- En la mayoría de sus obras existe un ambiente que oprime a los personajes.
- La mujer tiene un papel fundamental dentro del teatro de Lorca, que suelen estar frustradas, marginadas, etc.
- Las obras suelen tener un final trágico, como la muerte de los protagonistas.
- Lorca añadió a su teatro técnicas surrealistas, como la fantasía, el sueño…en esto ayudó bastante su estancia en Nueva York.
- Aparece frecuentemente temas como la maternidad o la esterilidad.
3. Tema principal.
El tema principal de la obra es el principio de autoridad frente al principio de libertad pues éste es el motor que mueve a los personajes.
La opresión de la sociedad rural andaluza influye en los personajes de la obra, sobre todo en la Novia.
La Novia ama a Leonardo pero el padre concierta el matrimonio con el Novio, quien es para ella “un niñito de agua fría”. Ella, que obedece a las convenciones accede a casarse, pero durante la boda se deja arrastrar por sus sentimientos y antepone su libertad a la autoridad.
La opresión imposibilita la felicidad de la Novia y de Leonardo, que desafían el matrimonio establecido, considerado un móvil para la reproducción, fruto de la autoridad de los padres:
Madre: Mi hijo la cubrirá bien. Es de buena simiente. Su padre pudo haber tenido
conmigo muchos hijos.
Padre: Lo que yo quisiera es que esto fuera cosa de un día. Que en seguida tuvieran doso tres hombres.
Madre: Pero no es así. Se tarda mucho. Por eso es tan terrible ver la sangre de una
derramada por el suelo. Una fuente que corre un minuto y a nosotros nos ha costado
años. Cuando yo llegué a ver a mi hijo, estaba tumbado en mitad de la calle. Me mojé
las manos de sangre y me las lamí con la lengua. Porque era mía. Tú no sabes lo que es
eso. En una custodia de cristal y topacios pondría yo la tierra empapada por ella.
Padre: Ahora tienes que esperar. Mi hija es ancha y tu hijo es fuerte.
Madre: Así espero. (Se levantan.)
El que el matrimonio sea de interés, sin amor, con finalidad económica y procreativa ya nos anticipa que va a ocurrir una tragedia.
El tema principal también lo podemos apreciar cuando la Novia (al final de la obra) acude a la Madre para hacer ver que no ha perdido su honra. En este hecho se ve la gran importancia que se da en la obra a las convenciones sociales de la época que reprimen la libertad de las personas.
Novia: (A la vecina) Déjala; he venido para que me mate y que me lleven con ellos. (A
la madre.) Pero no con las manos; con garfios de alambre, con una hoz, y con fuerza,
hasta que se rompa en mis huesos. ¡Déjala! Que quiero que sepa que yo soy limpia, que
estaré loca, pero que me puedan enterrar sin que ningún hombre se haya mirado en la
blancura de mis pechos.
Temas Secundarios
• Muerte: la muerte marca a la Madre, pues ésta se ha llevado a su esposo y a sus dos hijos, y su significado está directamente vinculado a ella de dos maneras diferentes: en primer lugar que la muerte es el fin de la vida, quien le ha robado a sus seres queridos; en segundo lugar, también se muestra la muerte en vida debido a la pena que la soledad le proporciona. La muerte en vida también la podemos ver en la Novia que, tras la muerte de sus dos amados, sólo está viva aparentemente pues su alma se siente vacía.
Aunque aparentemente el tema de la muerte es muy importante, Lorca le quita importancia debido a que el momento de mayor tragedia (el enfrentamiento de los dos hombres en el bosque) no lo incluye en la obra.
• La infidelidad: La novia traiciona a su marido al huir con Leonardo. Es uno de los desencadenantes de la tragedia.
• La honra: La honra del Novio y la Novia se ponen en juego con la huída. Como se ha dicho anteriormente la honra algo muy importante dentro de la sociedad de esa época.
• El destino: El destino trágico y la fatalidad persiguen a los protagonistas. El destino es inevitable.
• La naturaleza: La naturaleza forma parte de la historia, ya que influye en los sentimientos y en el desarrollo de los personajes.
• La sexualidad: es el impulso para la fertilidad, cauce para la continuidad de la descendencia.
• El amor: el amor y las pasiones mueven también a los personajes, el amor que la novia siente por Leonardo es el motivo de la huída y por tanto es uno de los factores que inician la tragedia.
• La violencia: durante toda la obra se vive un clima de violencia. Nada más empezar se producen unos crímenes. Además que el matrimonio sea concertado también provoca violencia, fatalidad.
4. Personajes.
Se distinguen tres tipos de personajes:
• Apolinios: defensores de la sociedad tradicional represora.
• Dionisíacos: personajes instintivos, irracionales (la novia, Leonardo, la luna, la mendiga).
• Personajes corales.
Principales:
- La Madre: Se identifica con la tierra, la familia y la sangre, representa la fidelidad a la tierra. Hay que seguir manteniendo la vida a través de la especie, a través del hijo. Es una mujer fuerte y constante, paciente ante la adversidad. Es un personaje vigilado por la sociedad. Vive en comunión con sus muertos, ligada a ellos a través del recuerdo y del odio hacia los enemigos. Aunque se vuelca en ternura con su hijo, el Novio, las leyes sociales lo impulsan también a la muerte.
- La Novia: es víctima de un conflicto interior importante ya que desea mantenerse dentro del equilibrio social del deber y seguir el cauce de las normas de la tradición, pero su instinto puede más que la razón y finalmente se deja arrastrar por sus pasiones.
- Leonardo: tiene un carácter inconsciente, apasionado... y es poco honrado pues no le avergonzó dejar a su familia para fugarse con la Novia, de la que estaba enamorado.
- El Novio: representa el trabajo y la descendencia, y su papel está subordinado al de la madre. No conoce los secretos escondidos de su novia. A pesar del asesinato es una buena persona y ama a la Novia por encima de todo.
- Padre de la Novia: es una persona tranquila y ambiciosa, que se mueve por los intereses de las tierras del Novio.
Secundarios:
- La Luna: se puede decir que es un "ayudante de la muerte" pues debido a que cuando los fugados se hayan en el bosque ésta los ilumina y el Novio los encuentra.
- La Muerte: aparece en el bosque en forma de una mendiga. Indica al Novio el camino para encontrar a Leonardo y a la Novia.
- La suegra de Leonardo y la vecina: objetivan los temores de los demás personajes desde un distanciamiento crítico y popular y son defensoras de la tradición
- La Criada: posee la sabiduría de la naturaleza de los hombres.
- La mujer de Leonardo: es una mujer que se resigna ante la actitud de su marido, pero que consiente la infidelidad para mantener su estatus social.
- Gente del pueblo y muchachas: Demuestran su preocupación por la tragedia.
- Leñadores y Mozos: Narradores de la historia final.
a) Los personajes de la obra no tienen nombres y apellidos porque representan arquetipos, representan personajes universales, sobre todo en el caso de las mujeres que suelen tener un pasado trágico que les marca o un destino que se les recuerda constantemente.
El único personaje con nombre es Leonardo, y por lo tanto es protagonista nominal. Es necesario este protagonismo porque normalmente los hombres suelen aparecer como personajes secundarios, pero en este caso Leonardo es uno de los principales desencadenantes de la tragedia. Dándole un nombre propio a este personaje García Lorca lo puede desarrollar más plenamente y crear un personaje menos estereotipado.
b) Existe una gran incomunicación entre los personajes de la obra. Viven en un mundo rural del que no se habla mucho en la obra pero que los condiciona.
Una muestra de esta incomunicación es que el lector o espectador solo puede conocer los sentimientos de los personajes gracias a elementos como las voces, las canciones, o las acotaciones.
c) Los leñadores son como un coro de voces que presagian a la muerte y a la tragedia. Sirven para sancionar, recriminar,… cosas a los enamorados. Es un elemento más que forma parte del teatro trágico.
Ellos constituyen una colectividad mítica en un típico rito de exaltación a un dios de las religiones agrarias en el que el propio Dios acaba encarnándose en el director del coro.
5. Estructura.
Estructura externa
La pieza teatral se encuentra dividida en tres actos, que a la vez se dividen en cuadros (división con la que Lorca innova ya que anteriormente la división se hacía por escenas):
- Acto I: consta de tres cuadros.
- Acto II: consta de dos cuadros.
- Acto III: consta de dos cuadros.
• Desarrollo de la acción:
1. En el acto I se plantean los hechos desde tres espacios distintos: la casa de la Madre, la casa de Leonardo y la casa de la Novia. Los tres espacios confluyen en el acto II en un lugar común: la casa de la Novia.
2. Los dos cuadros del acto II presentan la situación antes del casamiento y después de él. En él se plantea el nudo del conflicto y el mundo reflejado es el del plano real.
3. En el acto III surge un mundo sobrenatural, mítico: el bosque simbólico con la presencia de personajes alegóricos como la Luna, La Muerte, etc. Tres coros distintos intervienen en este acto III: en el primer cuadro los leñadores comentan la acción e invocan a la divinidad, la Luna y la Muerte presencian la tragedia. En el segundo cuadro aparecen otros dos coros: el de las muchachas y la niña, y el de las mujeres que entonan la elegía final. En el último cuadro el poeta nos devuelve a la realidad y al espacio creado al comienzo de la obra.
Estructura interna
La estructura interna la podemos dividir en tres partes pues la obra se ajusta al esquema de las tragedias griegas clásicas, coincidiendo en este caso su estructura con la división interna en tres actos:
1. -Presentación del conflicto y de los hilos de la acción dramática. En esta parte se distinguen los preparativos de la boda, y la ceremonia acompañada de las canciones de boda.
2. – Desarrollo y alcance del clímax de la tragedia. En ella se produce la huída de Leonardo y de la Novia, y es cuando se matan los dos hombres en el bosque.
3. -Conclusión. Resolución irreversible del conflicto. La Novia acude a la casa de la Madre para demostrar su honradez, y sabemos acerca del castigo que ha tenido la Novia por sus muertes: la virginidad eterna.
Se trata de una obra con una estructura circular o cerrada, pues la acción empieza y acaba en el mismo sitio, en la casa de la Madre. Al principio de la obra la Madre habla de sus temores, y al final éstos se cumplieron trágicamente.
6. Sociedad y espacios.
Sociedad
Lorca dibuja a la sociedad tradicional andaluza de principios del siglo XX. Es un ambiente rural en el que las convenciones sociales están aún muy vigentes. La sociedad marca y condiciona a los personajes de la obra a causa de la opresión que ejercen. Los habitantes del pueblo parecen estar informados acerca de todo lo ocurrido en él.
Madre: (Fuerte) Pero ¡cuántas cosas sabéis las gentes!
Vecina: Perdona. No quisiera ofender; pero es verdad. Ahora, si fue decente o no, nadie lo dijo. De esto no se ha hablado. Ella era orgullosa.
Madre: ¡Siempre igual!
Vecina: Tú me preguntaste.
Madre: Es que quisiera que ni a la viva ni a la muerte las conociera nadie. Que fueran
como dos cardos, que ninguna persona los nombra y pinchan si llega el momento.
Vecina: Tienes razón. Tu hijo vale mucho.
Mujer: Ayer me dijeron las vecinas que te habían visto al límite de los llanos.
Leonardo: ¿Quién lo dijo?
Mujer: Las mujeres que cogen las alcaparras. Por cierto que me sorprendió. ¿Eras tú?
Leonardo: No. ¿Qué iba a hacer yo allí en aquel secano?
Mujer: Eso dije. Pero el caballo estaba reventando de sudor.
Leonardo: ¿Lo viste tú?
Mujer: No. Mi madre.
Criada: Tú quieres a tu novio.
Novia: Lo quiero.
Criada: Sí, sí, estoy segura.
Novia: Pero este es un paso muy grande.
Criada: Hay que darlo.
Novia: Ya me he comprometido.
Criada: Te voy a poner la corona.
Espacios dramáticos
Los espacios en la obra suelen ser sobre todo interiores, tanto en el mundo físico como interior de los personajes. Como se ha comentado anteriormente, los personajes viven en sí mismos, no dan a conocer sus pensamientos y sentimientos.
El ambiente domina a los personajes e influye en sus actos, según ellos mismos explican:
Novia: Mi madre era de un sitio donde había muchos árboles de tierra rica.
Criada: Así era ella de alegre.
Novia: Pero se consumió aquí.
Criada: El sino.
Novia: Como nos consumimos todas. Echan fuego las paredes.
La descripción de los espacios y decorados que realiza el escritor es anticipo y una muestra la tragedia, como bien se muestra en este fragmento en el que denomina el domicilio de la novia como “cueva”:
Acotación:
“Interior de la cueva donde vive la novia. Al fondo, una cruz de grandes flores rosa. Las puertas, redondas, con cortinajes de encaje y lazos rosa. Por las paredes, de material blanco y duro, abanicos redondos, jarros azules y pequeños espejos”.
Lorca consigue crear ambientes trágicos pero sin recrearse en la muerte, es más, la poetiza y la supera. Además el ambiente es real ya que el autor se inspiró en la vida cotidiana al escribir esta obra.
7. Simbolismo.
Con el lenguaje poético y el simbolismo Lorca consigue ir más allá, su obra trasciende de lo meramente real.
Los símbolos para Lorca son polisémicos, es decir que pueden albergar diferentes significados.
• El bosque: se trata de un elemento simbólico externo. En él se engloba la tragedia. Es el lugar dónde existen seres raros, metafóricos, alegóricos… y los personajes que salen de él son todos simbólicos.
• La luna: es símbolo de la muerte, pero además está vinculada directamente con la violencia y el correr de sangre que ésta implica. La intervención de la luna y la muerte en la obra es la parte favorita de Lorca, pues es la parte que más se aleja de la realidad.
Luna:
(…)
No quiero sombras. Mis rayos
han de entrar en todas partes,
y haya en los troncos oscuros
un rumor de claridades,
para que esta noche tengan
mis mejillas dulce sangre,
y los juncos agrupados
en los anchos pies del aire.
¿Quién se oculta? ¡Afuera digo!
¡No! ¡No podrán escaparse!
Yo haré lucir al caballo
una fiebre de diamante.
• El caballo: está relacionado con el sexo, la virilidad y la fuerza. El personaje con el que se identifica este animal simbólico es Leonardo. Representa la pasión desenfrenada que lleva a la muerte.
Mujer: (Volviéndose lentamente y como soñando)
Duérmete, clavel,
que el caballo se pone a beber.
Suegra:
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.
Mujer:
Nana, niño, nana.
Suegra:
Ay, caballo grande,
que no quiso el agua!
Mujer: (Dramática)
¡No vengas, no entres!
¡Vete a la montaña!
¡Ay dolor de nieve,
caballo del alba!
Suegra: (Llorando)
Mi niño se duerme...
Mujer: (Llorando y acercándose lentamente)
Mi niño descansa...
Suegra:
Duérmete, clavel,
que el caballo no quiere beber.
Mujer: (Llorando y apoyándose sobre la mesa.)
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.
• La mendiga: simboliza, junto a la luna, la muerte. Es mensajera de la tragedia.
Luna: El aire va llegando duro, con doble filo.
Mendiga: Ilumina el chaleco y aparta los botones,
que después las navajas ya saben el camino.
Luna: Pero que tarden mucho en morir. Que la sangre
me ponga entre los dedos su delicado silbo.
¡Mira que ya mis valles de ceniza despiertan
en ansia de esta fuente de chorro estremecido!
Mendiga: No dejemos que pasen el arroyo. ¡Silencio!
Luna: ¡Allí vienen!
• La navaja: es el arma con el que se matan los personajes. Simboliza la muerte.
• El agua: cuando corre, es símbolo de vitalidad. Cuando está estancada, representa la muerte.
• Los colores de la habitación de la madre:
- Al principio la habitación es amarilla. Este color anticipa la tragedia, la mala suerte. También puede simbolizar la enfermedad: “Habitación pintada de amarillo”.
- Al final de la obra la habitación está pintada de blanco. El blanco representa bien el luto, bien el ansia de empezar de nuevo, la pureza.
Acotación:
Habitación blanca con arcos y gruesos muros. A la derecha y a la izquierda, escaleras
blancas. Gran arco al fondo y pared del mismo color. El suelo será también de un
blanco reluciente. Esta habitación simple tendrá un sentido monumental de iglesia. No
habrá ni un gris, ni una sombra, ni siquiera lo preciso para la perspectiva. Dos muchachas vestidas de azul oscuro están devanando una madeja roja.
En este fragmento además existe otro elemento simbólico: las dos muchachas tejiendo la madeja roja. Hace referencia al “mito de las Parcas”, tres jóvenes que deshilaban las madejas de las vidas de las personas. La madeja en este caso es roja por el destino trágico de la obra, representa la muerte, la sangre.
El coro de voces representa un papel fundamental en la obra, y tiene su origen en las tragedias clásicas. Acompaña una escena, es como si se tratara de un personaje más. El papel del coro es recriminar o anticipar la tragedia. Es un elemento que intensifica el dramatismo.
Voces:
¡Al salir de tu casa
para la iglesia,
acuérdate que sales
como una estrella!
Además este papel anticipador de la tragedia lo podemos observar en la madre, que representa el pensamiento de la sociedad, y en los leñadores.
Leñador 2: El cuerpo de ella era para él y el cuerpo de él para ella.
Leñador 3: Los buscan y los matarán.
Leñador 1: Pero ya habrán mezclado sus sangres y serán como dos cántaros vacíos,
como dos arroyos secos.
Leñador 2: Hay muchas nubes y será fácil que la luna no salga.
Leñador 3: El novio los encontrará con luna o sin luna. Yo lo vi salir. Como una
estrella furiosa. La cara color ceniza. Expresaba el sino de su casta.
Madre: No. No vamos a acabar. ¿Me puede alguien traer a tu padre y a tu hermano? Y
luego, el presidio. ¿Qué es el presidio? ¡Allí comen, allí fuman, allí tocan los
instrumentos! Mis muertos llenos de hierba, sin hablar, hechos polvo; dos hombres que
eran dos geranios... Los matadores, en presidio, frescos, viendo los montes...
Novio: ¿Es que quiere usted que los mate?
Madre: No... Si hablo, es porque... ¿Cómo no voy a hablar viéndote salir por esa
puerta? Es que no me gusta que lleves navaja. Es que.... que no quisiera que salieras al
campo.
Es en el verso y en las canciones dónde se encuentra la verdadera esencia de la obra. Permite al escritor recrearse en el simbolismo. Mediante las canciones podemos conocer también sentimientos de los personajes. Lorca no pretende reflejar un lenguaje realista, y por ello utiliza las canciones, las nanas, etc.
8. Comentario crítico.
Bodas de sangre fue escrita por Federico García Lorca en 1932. Primero fue leída a los amigos del poeta en casa de Carlos Morla Lynch (el 17 de septiembre), y se estrenó el 8 de marzo de 1933. Es una obra, debido a sus características, claramente trágica. Toda la obra gira alrededor del principio de autoridad frente al principio de libertad.
Esta obra dramática está marcada por la tragedia en toda su totalidad pues incluso antes de comenzar podemos decir que existe “otra obra” a la abordada en la que mueren el hijo y el marido de la Madre. Comenzando trágicamente es fácil suponer cuál va a ser el final.
Teniendo en cuenta el público al que se dirige el lenguaje de la obra me ha parecido adecuado. Personalmente no me ha sido muy difícil de leer, aunque he de reconocer que en la parte en verso la abundancia de simbolismo y lenguaje alegórico dificultó mi comprensión. Después de reflexionar acerca de lo que quiere expresar Lorca en sus versos me he dado cuenta que lo importante, la esencia de su obra, se encuentra en la poesía, en el choque entre dos modalidades de escritura, la prosa y el verso. Lorca nos lleva a otra dimensión con su teatro, supera todo lo anterior para innovar a favor de un teatro que se aleje de la realidad.
La lectura de la obra me ha gustado ya que el tema principal me resulta muy interesante pues es un hecho que actualmente se sigue dando en algunas localidades que, al igual que el ambiente en el que se encuentra la obra, suele ser rural.
En mi opinión la Novia hace bien siguiendo lo que sus sentimientos le dictan, yo habría hecho lo mismo. Aun así es cierto que la posición de rebeldía que adopta al final de la obra podría haberla manifestado en un momento anterior a la boda evitando la tragedia. Si la Novia no se deja llevar inicialmente por sus emociones es porque está sujeta a las convenciones sociales y a la tradición. Las normas de la sociedad rural andaluza le impiden ser feliz y por tanto tener libertad para realizarse sentimentalmente. Ella intenta no caer en la tentación y pretende sinceramente llevar una vida con el Novio pero se da cuenta que no podría vivir sin avivar la llama de amor que se había encendido en su corazón gracias a Leonardo.
Creo que la libertad individual es uno de los derechos más importantes del ser humano, pero para tener libertad es necesario también ser consecuente y maduro pues no solo se puede pensar en los propios intereses. Pienso que Leonardo es algo egoísta al marcharse con la Novia ya que deja de lado a su esposa y a un hijo sin parecer importarle.
En conclusión, creo que es muy importante saber que actualmente, salvo algunas excepciones, podemos elegir con quién compartir nuestra vida. Es una suerte que la sociedad haya avanzado tan abiertamente en este tema pues los matrimonios concertados generan una gran conflictividad entre la pareja si no existe amor entre ellos, que como vemos en esta obra, acaba en tragedia.
9. Bibliografía.
Bodas de sangre. Federico García Lorca. Biblioteca didáctica Anaya (lectura realizada de esta edición)
Federico García Lorca nació en Fuente Vaqueros (Granada) el día 5 de junio de 1898 y murió fusilado en 1936.
La obra dramática de Lorca es muy extensa (tocó el drama, la tragedia, la comedia, el teatro surrealista, el vanguardista,…). En sus últimos años su actividad dramática fue muy intensa ya que consideraba el teatro como el arte más adecuado para comunicarse con la sociedad, tal y como expresaba en estas palabras:
"El teatro fue siempre mi vocación. He dado al teatro muchas horas de mi vida. Tengo un concepto del teatro en cierta forma personal y resistente. El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse, habla y grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en la escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre."
F. García Lorca (O. C. , 1810).
Que fue un apasionado amante del teatro también lo apreciamos por haber impulsado, promovido y dirigido el grupo de teatro "La Barraca", que puso el teatro del Siglo de Oro en contacto con la sociedad, durante la Segunda República Española (1931-1936).
Obras dramáticas más importantes:
Bodas de Sangre es una de las obras mas importantes de la producción dramática de Federico García Lorca empieza, pues hasta entonces sus obras dentro del ámbito teatral no habían creado tanta expectación. Empezó con obras dedicadas a un público infantil, como es el caso de la obra El maleficio de la mariposa.
Las farsas para guiñol, escritas entre 1921 y 1928, sólo fueron reconocidas como juegos graciosos aun siendo de gran calidad. Destacan La zapatera prodigiosa (1930), en la que el ambiente andaluz sirve de soporte al conflicto, cervantino, entre imaginación y realidad, y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín (1930), complejo ritual de iniciación al amor.
Los ensayos de teatro surrealistas que anuncia los «dramas irrepresentables» de 1930 y 1931: El público y Así que pasen cinco años.
Gracias al éxito de los dramas rurales poéticos, Lorca elabora las tragedias ambientadas en su Andalucía natal: Bodas de sangre y Yerma (1934), conjugación de mito, poesía y sustancia real.
Bodas de sangre es una tragedia en verso escrita en 1931. Se estrenó el 8 de marzo de 1933 en el Teatro Beatriz de Madrid . Esta una producción poética y teatral que se centra en el análisis de un sentimiento trágico. La obra se inspira en una tragedia y se encuentra enmarcada en un paisaje andaluz.
Los problemas humanos determinan los dramas, de los que tienen mayor importancia: Doña Rosita la soltera (1935) en el que se aprecia el tema de la «solterona» española; o La casa de Bernarda Alba (1936), que tiene como teman principal la represión de la mujer y la intolerancia. Para muchos la obra maestra del autor es esta última.
2. Teatro español a principios del siglo XX.
A principios del siglo XX seguían estando vigentes las tendencias teatrales de finales del XIX.
Aunque existían autores que intentaban innovar, que querían acabar con el exclusivismo burgués en el mundo literario, los que tenían apoyo popular eran el teatro neorromántico de Echegaray y el teatro realista de Galdós . Los autores de este tipo de teatro no escribían acerca de grandes conflictos morales en sus obras. Otro auntor teatral muy importante en esta época es Jacinto Benavente, que es el padre de la comedia de salón.
Uno de los antecedentes es el teatro poético modernista (recoge los temas del teatro del Siglo de Oro y en cuanto a la forma predomina el tono romántico, con autores como Francisco Villaespesa y Eduardo Marquina)
El teatro comercial o cómico contaba con la burguesía como público fiel y su finalidad era distraer. En ellos había numerosos personajes arquetipos (el estudiante, la prostituta,…) que se dedican a hacer reír al público, que busca la identificación de la lengua. Un subgénero de este teatro es el sainete, creado por Carlos Arniches.
Durante este período también tenían mucho éxito las zarzuelas (obras que realizaban mezclas entre canto, teatro, lírico, etc.).
Pero surgió un tipo de teatro renovador y minoritario rechazando la tendencia del Realismo y del teatro burgués. Se introducen nuevos elementos, como la división de las obras en cuadros (por Lorca). Este teatro indaga en el ser humano debido a la crisis del existencialismo.
El paso de una tendencia teatral a otra innovadora en España costó más que en el resto de Europa. Autores como Azorín, Unamuno o Valle-Inclán se esforzaron por cambiar el panorama teatral a través de argumentos simbólicos o conceptuales, cargados de elementos metafóricos.
Dentro de este contexto Federico García Lorca consigue ir haciéndose hueco entre el público español.
Lorca había leído a autores como Pirandello (padre del simbolismo teatral), Bernard Shaw (teatro inconformista), Bertolt Brecht (con una nueva escenificación) y Samuel Beckett (famoso por su teatro del absurdo), y se había dejado influenciar por ellos.
Este escritor pretendía, junto con los miembros pertenecientes a su generación, la Generación del 27 (Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Luis Cernuda,…) eliminar los elementos modernistas e incorporar el Vanguardismo, al igual que querían un teatro que se acercara al público.
Características del teatro de Lorca:
- Es un teatro innovador pues por primera vez se realiza una mezcla entre poesía y teatro. Gracias a la poesía el teatro evoluciona desde la realidad hasta lo simbólico, hasta lo connotativo. Es en la poesía dónde se encuentra la esencia de la trama.
- El teatro no es realista, se aleja de la estética burguesa. Lorca, sin embargo, utiliza algunos elementos realistas (el leñador, la boda, el asesinato,…), aunque siempre para superarlos. Hace una selección de los elementos realistas para ir más allá. Al no utilizar nombres lo que pretende es un apartamento de la realidad.
- Es capaz de expresar dramas íntimos. Para expresarlos utiliza soliloquios, monólogos, canciones, etc.
- Lorca utiliza el teatro como medio para llegar al público, para él es un medio para expresar emoción.
- Lorca decía que el teatro estaba perdido porque se estaba alejando de la tragedia, del teatro clásico griego. Para él la tragedia era uno de los elementos más importantes, algo que se muestra en sus propias palabras: “Hay que volver a la tragedia. Nos obliga a ello la tradición de nuestro teatro dramático. Tiempo habrá de hacer comedias, farsas. Mientras tanto, yo quiero dar a nuestro teatro tragedias”.
- Su teatro no es un teatro social, va más allá de la lucha política. Lorca prefiere colocarse al lado de la persona que sufre. Pretende luchar contra la moral social que reprime y condena la libertad individual, y sobre todo sexual de las personas: En este mundo yo siempre soy y seré partidario de los pobres. Yo siempre seré partidario de los que no tienen nada y hasta la tranquilidad de la nada se les niega. Nosotros —me refiero a los hombres de significación intelectual y educados en el ambiente medio de las clases que podemos llamar acomodadas— estamos llamados al sacrificio. Aceptémoslo. (O. C. II, 1036)
- Entre sus temas dominantes se encuentra el enfrentamiento entre el individuo (que se mueve por el deseo, el amor, la libertad...) y la autoridad dominante, que impone el orden, la sumisión, la tradición, las convenciones sociales, las normas colectivas.
- En la mayoría de sus obras existe un ambiente que oprime a los personajes.
- La mujer tiene un papel fundamental dentro del teatro de Lorca, que suelen estar frustradas, marginadas, etc.
- Las obras suelen tener un final trágico, como la muerte de los protagonistas.
- Lorca añadió a su teatro técnicas surrealistas, como la fantasía, el sueño…en esto ayudó bastante su estancia en Nueva York.
- Aparece frecuentemente temas como la maternidad o la esterilidad.
3. Tema principal.
El tema principal de la obra es el principio de autoridad frente al principio de libertad pues éste es el motor que mueve a los personajes.
La opresión de la sociedad rural andaluza influye en los personajes de la obra, sobre todo en la Novia.
La Novia ama a Leonardo pero el padre concierta el matrimonio con el Novio, quien es para ella “un niñito de agua fría”. Ella, que obedece a las convenciones accede a casarse, pero durante la boda se deja arrastrar por sus sentimientos y antepone su libertad a la autoridad.
La opresión imposibilita la felicidad de la Novia y de Leonardo, que desafían el matrimonio establecido, considerado un móvil para la reproducción, fruto de la autoridad de los padres:
Madre: Mi hijo la cubrirá bien. Es de buena simiente. Su padre pudo haber tenido
conmigo muchos hijos.
Padre: Lo que yo quisiera es que esto fuera cosa de un día. Que en seguida tuvieran doso tres hombres.
Madre: Pero no es así. Se tarda mucho. Por eso es tan terrible ver la sangre de una
derramada por el suelo. Una fuente que corre un minuto y a nosotros nos ha costado
años. Cuando yo llegué a ver a mi hijo, estaba tumbado en mitad de la calle. Me mojé
las manos de sangre y me las lamí con la lengua. Porque era mía. Tú no sabes lo que es
eso. En una custodia de cristal y topacios pondría yo la tierra empapada por ella.
Padre: Ahora tienes que esperar. Mi hija es ancha y tu hijo es fuerte.
Madre: Así espero. (Se levantan.)
El que el matrimonio sea de interés, sin amor, con finalidad económica y procreativa ya nos anticipa que va a ocurrir una tragedia.
El tema principal también lo podemos apreciar cuando la Novia (al final de la obra) acude a la Madre para hacer ver que no ha perdido su honra. En este hecho se ve la gran importancia que se da en la obra a las convenciones sociales de la época que reprimen la libertad de las personas.
Novia: (A la vecina) Déjala; he venido para que me mate y que me lleven con ellos. (A
la madre.) Pero no con las manos; con garfios de alambre, con una hoz, y con fuerza,
hasta que se rompa en mis huesos. ¡Déjala! Que quiero que sepa que yo soy limpia, que
estaré loca, pero que me puedan enterrar sin que ningún hombre se haya mirado en la
blancura de mis pechos.
Temas Secundarios
• Muerte: la muerte marca a la Madre, pues ésta se ha llevado a su esposo y a sus dos hijos, y su significado está directamente vinculado a ella de dos maneras diferentes: en primer lugar que la muerte es el fin de la vida, quien le ha robado a sus seres queridos; en segundo lugar, también se muestra la muerte en vida debido a la pena que la soledad le proporciona. La muerte en vida también la podemos ver en la Novia que, tras la muerte de sus dos amados, sólo está viva aparentemente pues su alma se siente vacía.
Aunque aparentemente el tema de la muerte es muy importante, Lorca le quita importancia debido a que el momento de mayor tragedia (el enfrentamiento de los dos hombres en el bosque) no lo incluye en la obra.
• La infidelidad: La novia traiciona a su marido al huir con Leonardo. Es uno de los desencadenantes de la tragedia.
• La honra: La honra del Novio y la Novia se ponen en juego con la huída. Como se ha dicho anteriormente la honra algo muy importante dentro de la sociedad de esa época.
• El destino: El destino trágico y la fatalidad persiguen a los protagonistas. El destino es inevitable.
• La naturaleza: La naturaleza forma parte de la historia, ya que influye en los sentimientos y en el desarrollo de los personajes.
• La sexualidad: es el impulso para la fertilidad, cauce para la continuidad de la descendencia.
• El amor: el amor y las pasiones mueven también a los personajes, el amor que la novia siente por Leonardo es el motivo de la huída y por tanto es uno de los factores que inician la tragedia.
• La violencia: durante toda la obra se vive un clima de violencia. Nada más empezar se producen unos crímenes. Además que el matrimonio sea concertado también provoca violencia, fatalidad.
4. Personajes.
Se distinguen tres tipos de personajes:
• Apolinios: defensores de la sociedad tradicional represora.
• Dionisíacos: personajes instintivos, irracionales (la novia, Leonardo, la luna, la mendiga).
• Personajes corales.
Principales:
- La Madre: Se identifica con la tierra, la familia y la sangre, representa la fidelidad a la tierra. Hay que seguir manteniendo la vida a través de la especie, a través del hijo. Es una mujer fuerte y constante, paciente ante la adversidad. Es un personaje vigilado por la sociedad. Vive en comunión con sus muertos, ligada a ellos a través del recuerdo y del odio hacia los enemigos. Aunque se vuelca en ternura con su hijo, el Novio, las leyes sociales lo impulsan también a la muerte.
- La Novia: es víctima de un conflicto interior importante ya que desea mantenerse dentro del equilibrio social del deber y seguir el cauce de las normas de la tradición, pero su instinto puede más que la razón y finalmente se deja arrastrar por sus pasiones.
- Leonardo: tiene un carácter inconsciente, apasionado... y es poco honrado pues no le avergonzó dejar a su familia para fugarse con la Novia, de la que estaba enamorado.
- El Novio: representa el trabajo y la descendencia, y su papel está subordinado al de la madre. No conoce los secretos escondidos de su novia. A pesar del asesinato es una buena persona y ama a la Novia por encima de todo.
- Padre de la Novia: es una persona tranquila y ambiciosa, que se mueve por los intereses de las tierras del Novio.
Secundarios:
- La Luna: se puede decir que es un "ayudante de la muerte" pues debido a que cuando los fugados se hayan en el bosque ésta los ilumina y el Novio los encuentra.
- La Muerte: aparece en el bosque en forma de una mendiga. Indica al Novio el camino para encontrar a Leonardo y a la Novia.
- La suegra de Leonardo y la vecina: objetivan los temores de los demás personajes desde un distanciamiento crítico y popular y son defensoras de la tradición
- La Criada: posee la sabiduría de la naturaleza de los hombres.
- La mujer de Leonardo: es una mujer que se resigna ante la actitud de su marido, pero que consiente la infidelidad para mantener su estatus social.
- Gente del pueblo y muchachas: Demuestran su preocupación por la tragedia.
- Leñadores y Mozos: Narradores de la historia final.
a) Los personajes de la obra no tienen nombres y apellidos porque representan arquetipos, representan personajes universales, sobre todo en el caso de las mujeres que suelen tener un pasado trágico que les marca o un destino que se les recuerda constantemente.
El único personaje con nombre es Leonardo, y por lo tanto es protagonista nominal. Es necesario este protagonismo porque normalmente los hombres suelen aparecer como personajes secundarios, pero en este caso Leonardo es uno de los principales desencadenantes de la tragedia. Dándole un nombre propio a este personaje García Lorca lo puede desarrollar más plenamente y crear un personaje menos estereotipado.
b) Existe una gran incomunicación entre los personajes de la obra. Viven en un mundo rural del que no se habla mucho en la obra pero que los condiciona.
Una muestra de esta incomunicación es que el lector o espectador solo puede conocer los sentimientos de los personajes gracias a elementos como las voces, las canciones, o las acotaciones.
c) Los leñadores son como un coro de voces que presagian a la muerte y a la tragedia. Sirven para sancionar, recriminar,… cosas a los enamorados. Es un elemento más que forma parte del teatro trágico.
Ellos constituyen una colectividad mítica en un típico rito de exaltación a un dios de las religiones agrarias en el que el propio Dios acaba encarnándose en el director del coro.
5. Estructura.
Estructura externa
La pieza teatral se encuentra dividida en tres actos, que a la vez se dividen en cuadros (división con la que Lorca innova ya que anteriormente la división se hacía por escenas):
- Acto I: consta de tres cuadros.
- Acto II: consta de dos cuadros.
- Acto III: consta de dos cuadros.
• Desarrollo de la acción:
1. En el acto I se plantean los hechos desde tres espacios distintos: la casa de la Madre, la casa de Leonardo y la casa de la Novia. Los tres espacios confluyen en el acto II en un lugar común: la casa de la Novia.
2. Los dos cuadros del acto II presentan la situación antes del casamiento y después de él. En él se plantea el nudo del conflicto y el mundo reflejado es el del plano real.
3. En el acto III surge un mundo sobrenatural, mítico: el bosque simbólico con la presencia de personajes alegóricos como la Luna, La Muerte, etc. Tres coros distintos intervienen en este acto III: en el primer cuadro los leñadores comentan la acción e invocan a la divinidad, la Luna y la Muerte presencian la tragedia. En el segundo cuadro aparecen otros dos coros: el de las muchachas y la niña, y el de las mujeres que entonan la elegía final. En el último cuadro el poeta nos devuelve a la realidad y al espacio creado al comienzo de la obra.
Estructura interna
La estructura interna la podemos dividir en tres partes pues la obra se ajusta al esquema de las tragedias griegas clásicas, coincidiendo en este caso su estructura con la división interna en tres actos:
1. -Presentación del conflicto y de los hilos de la acción dramática. En esta parte se distinguen los preparativos de la boda, y la ceremonia acompañada de las canciones de boda.
2. – Desarrollo y alcance del clímax de la tragedia. En ella se produce la huída de Leonardo y de la Novia, y es cuando se matan los dos hombres en el bosque.
3. -Conclusión. Resolución irreversible del conflicto. La Novia acude a la casa de la Madre para demostrar su honradez, y sabemos acerca del castigo que ha tenido la Novia por sus muertes: la virginidad eterna.
Se trata de una obra con una estructura circular o cerrada, pues la acción empieza y acaba en el mismo sitio, en la casa de la Madre. Al principio de la obra la Madre habla de sus temores, y al final éstos se cumplieron trágicamente.
6. Sociedad y espacios.
Sociedad
Lorca dibuja a la sociedad tradicional andaluza de principios del siglo XX. Es un ambiente rural en el que las convenciones sociales están aún muy vigentes. La sociedad marca y condiciona a los personajes de la obra a causa de la opresión que ejercen. Los habitantes del pueblo parecen estar informados acerca de todo lo ocurrido en él.
Madre: (Fuerte) Pero ¡cuántas cosas sabéis las gentes!
Vecina: Perdona. No quisiera ofender; pero es verdad. Ahora, si fue decente o no, nadie lo dijo. De esto no se ha hablado. Ella era orgullosa.
Madre: ¡Siempre igual!
Vecina: Tú me preguntaste.
Madre: Es que quisiera que ni a la viva ni a la muerte las conociera nadie. Que fueran
como dos cardos, que ninguna persona los nombra y pinchan si llega el momento.
Vecina: Tienes razón. Tu hijo vale mucho.
Mujer: Ayer me dijeron las vecinas que te habían visto al límite de los llanos.
Leonardo: ¿Quién lo dijo?
Mujer: Las mujeres que cogen las alcaparras. Por cierto que me sorprendió. ¿Eras tú?
Leonardo: No. ¿Qué iba a hacer yo allí en aquel secano?
Mujer: Eso dije. Pero el caballo estaba reventando de sudor.
Leonardo: ¿Lo viste tú?
Mujer: No. Mi madre.
Criada: Tú quieres a tu novio.
Novia: Lo quiero.
Criada: Sí, sí, estoy segura.
Novia: Pero este es un paso muy grande.
Criada: Hay que darlo.
Novia: Ya me he comprometido.
Criada: Te voy a poner la corona.
Espacios dramáticos
Los espacios en la obra suelen ser sobre todo interiores, tanto en el mundo físico como interior de los personajes. Como se ha comentado anteriormente, los personajes viven en sí mismos, no dan a conocer sus pensamientos y sentimientos.
El ambiente domina a los personajes e influye en sus actos, según ellos mismos explican:
Novia: Mi madre era de un sitio donde había muchos árboles de tierra rica.
Criada: Así era ella de alegre.
Novia: Pero se consumió aquí.
Criada: El sino.
Novia: Como nos consumimos todas. Echan fuego las paredes.
La descripción de los espacios y decorados que realiza el escritor es anticipo y una muestra la tragedia, como bien se muestra en este fragmento en el que denomina el domicilio de la novia como “cueva”:
Acotación:
“Interior de la cueva donde vive la novia. Al fondo, una cruz de grandes flores rosa. Las puertas, redondas, con cortinajes de encaje y lazos rosa. Por las paredes, de material blanco y duro, abanicos redondos, jarros azules y pequeños espejos”.
Lorca consigue crear ambientes trágicos pero sin recrearse en la muerte, es más, la poetiza y la supera. Además el ambiente es real ya que el autor se inspiró en la vida cotidiana al escribir esta obra.
7. Simbolismo.
Con el lenguaje poético y el simbolismo Lorca consigue ir más allá, su obra trasciende de lo meramente real.
Los símbolos para Lorca son polisémicos, es decir que pueden albergar diferentes significados.
• El bosque: se trata de un elemento simbólico externo. En él se engloba la tragedia. Es el lugar dónde existen seres raros, metafóricos, alegóricos… y los personajes que salen de él son todos simbólicos.
• La luna: es símbolo de la muerte, pero además está vinculada directamente con la violencia y el correr de sangre que ésta implica. La intervención de la luna y la muerte en la obra es la parte favorita de Lorca, pues es la parte que más se aleja de la realidad.
Luna:
(…)
No quiero sombras. Mis rayos
han de entrar en todas partes,
y haya en los troncos oscuros
un rumor de claridades,
para que esta noche tengan
mis mejillas dulce sangre,
y los juncos agrupados
en los anchos pies del aire.
¿Quién se oculta? ¡Afuera digo!
¡No! ¡No podrán escaparse!
Yo haré lucir al caballo
una fiebre de diamante.
• El caballo: está relacionado con el sexo, la virilidad y la fuerza. El personaje con el que se identifica este animal simbólico es Leonardo. Representa la pasión desenfrenada que lleva a la muerte.
Mujer: (Volviéndose lentamente y como soñando)
Duérmete, clavel,
que el caballo se pone a beber.
Suegra:
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.
Mujer:
Nana, niño, nana.
Suegra:
Ay, caballo grande,
que no quiso el agua!
Mujer: (Dramática)
¡No vengas, no entres!
¡Vete a la montaña!
¡Ay dolor de nieve,
caballo del alba!
Suegra: (Llorando)
Mi niño se duerme...
Mujer: (Llorando y acercándose lentamente)
Mi niño descansa...
Suegra:
Duérmete, clavel,
que el caballo no quiere beber.
Mujer: (Llorando y apoyándose sobre la mesa.)
Duérmete, rosal,
que el caballo se pone a llorar.
• La mendiga: simboliza, junto a la luna, la muerte. Es mensajera de la tragedia.
Luna: El aire va llegando duro, con doble filo.
Mendiga: Ilumina el chaleco y aparta los botones,
que después las navajas ya saben el camino.
Luna: Pero que tarden mucho en morir. Que la sangre
me ponga entre los dedos su delicado silbo.
¡Mira que ya mis valles de ceniza despiertan
en ansia de esta fuente de chorro estremecido!
Mendiga: No dejemos que pasen el arroyo. ¡Silencio!
Luna: ¡Allí vienen!
• La navaja: es el arma con el que se matan los personajes. Simboliza la muerte.
• El agua: cuando corre, es símbolo de vitalidad. Cuando está estancada, representa la muerte.
• Los colores de la habitación de la madre:
- Al principio la habitación es amarilla. Este color anticipa la tragedia, la mala suerte. También puede simbolizar la enfermedad: “Habitación pintada de amarillo”.
- Al final de la obra la habitación está pintada de blanco. El blanco representa bien el luto, bien el ansia de empezar de nuevo, la pureza.
Acotación:
Habitación blanca con arcos y gruesos muros. A la derecha y a la izquierda, escaleras
blancas. Gran arco al fondo y pared del mismo color. El suelo será también de un
blanco reluciente. Esta habitación simple tendrá un sentido monumental de iglesia. No
habrá ni un gris, ni una sombra, ni siquiera lo preciso para la perspectiva. Dos muchachas vestidas de azul oscuro están devanando una madeja roja.
En este fragmento además existe otro elemento simbólico: las dos muchachas tejiendo la madeja roja. Hace referencia al “mito de las Parcas”, tres jóvenes que deshilaban las madejas de las vidas de las personas. La madeja en este caso es roja por el destino trágico de la obra, representa la muerte, la sangre.
El coro de voces representa un papel fundamental en la obra, y tiene su origen en las tragedias clásicas. Acompaña una escena, es como si se tratara de un personaje más. El papel del coro es recriminar o anticipar la tragedia. Es un elemento que intensifica el dramatismo.
Voces:
¡Al salir de tu casa
para la iglesia,
acuérdate que sales
como una estrella!
Además este papel anticipador de la tragedia lo podemos observar en la madre, que representa el pensamiento de la sociedad, y en los leñadores.
Leñador 2: El cuerpo de ella era para él y el cuerpo de él para ella.
Leñador 3: Los buscan y los matarán.
Leñador 1: Pero ya habrán mezclado sus sangres y serán como dos cántaros vacíos,
como dos arroyos secos.
Leñador 2: Hay muchas nubes y será fácil que la luna no salga.
Leñador 3: El novio los encontrará con luna o sin luna. Yo lo vi salir. Como una
estrella furiosa. La cara color ceniza. Expresaba el sino de su casta.
Madre: No. No vamos a acabar. ¿Me puede alguien traer a tu padre y a tu hermano? Y
luego, el presidio. ¿Qué es el presidio? ¡Allí comen, allí fuman, allí tocan los
instrumentos! Mis muertos llenos de hierba, sin hablar, hechos polvo; dos hombres que
eran dos geranios... Los matadores, en presidio, frescos, viendo los montes...
Novio: ¿Es que quiere usted que los mate?
Madre: No... Si hablo, es porque... ¿Cómo no voy a hablar viéndote salir por esa
puerta? Es que no me gusta que lleves navaja. Es que.... que no quisiera que salieras al
campo.
Es en el verso y en las canciones dónde se encuentra la verdadera esencia de la obra. Permite al escritor recrearse en el simbolismo. Mediante las canciones podemos conocer también sentimientos de los personajes. Lorca no pretende reflejar un lenguaje realista, y por ello utiliza las canciones, las nanas, etc.
8. Comentario crítico.
Bodas de sangre fue escrita por Federico García Lorca en 1932. Primero fue leída a los amigos del poeta en casa de Carlos Morla Lynch (el 17 de septiembre), y se estrenó el 8 de marzo de 1933. Es una obra, debido a sus características, claramente trágica. Toda la obra gira alrededor del principio de autoridad frente al principio de libertad.
Esta obra dramática está marcada por la tragedia en toda su totalidad pues incluso antes de comenzar podemos decir que existe “otra obra” a la abordada en la que mueren el hijo y el marido de la Madre. Comenzando trágicamente es fácil suponer cuál va a ser el final.
Teniendo en cuenta el público al que se dirige el lenguaje de la obra me ha parecido adecuado. Personalmente no me ha sido muy difícil de leer, aunque he de reconocer que en la parte en verso la abundancia de simbolismo y lenguaje alegórico dificultó mi comprensión. Después de reflexionar acerca de lo que quiere expresar Lorca en sus versos me he dado cuenta que lo importante, la esencia de su obra, se encuentra en la poesía, en el choque entre dos modalidades de escritura, la prosa y el verso. Lorca nos lleva a otra dimensión con su teatro, supera todo lo anterior para innovar a favor de un teatro que se aleje de la realidad.
La lectura de la obra me ha gustado ya que el tema principal me resulta muy interesante pues es un hecho que actualmente se sigue dando en algunas localidades que, al igual que el ambiente en el que se encuentra la obra, suele ser rural.
En mi opinión la Novia hace bien siguiendo lo que sus sentimientos le dictan, yo habría hecho lo mismo. Aun así es cierto que la posición de rebeldía que adopta al final de la obra podría haberla manifestado en un momento anterior a la boda evitando la tragedia. Si la Novia no se deja llevar inicialmente por sus emociones es porque está sujeta a las convenciones sociales y a la tradición. Las normas de la sociedad rural andaluza le impiden ser feliz y por tanto tener libertad para realizarse sentimentalmente. Ella intenta no caer en la tentación y pretende sinceramente llevar una vida con el Novio pero se da cuenta que no podría vivir sin avivar la llama de amor que se había encendido en su corazón gracias a Leonardo.
Creo que la libertad individual es uno de los derechos más importantes del ser humano, pero para tener libertad es necesario también ser consecuente y maduro pues no solo se puede pensar en los propios intereses. Pienso que Leonardo es algo egoísta al marcharse con la Novia ya que deja de lado a su esposa y a un hijo sin parecer importarle.
En conclusión, creo que es muy importante saber que actualmente, salvo algunas excepciones, podemos elegir con quién compartir nuestra vida. Es una suerte que la sociedad haya avanzado tan abiertamente en este tema pues los matrimonios concertados generan una gran conflictividad entre la pareja si no existe amor entre ellos, que como vemos en esta obra, acaba en tragedia.
9. Bibliografía.
Bodas de sangre. Federico García Lorca. Biblioteca didáctica Anaya (lectura realizada de esta edición)
